‘Misántropo’, bofetadas de realidad en un callejón

Ir con la verdad por delante no siempre es fácil. Pero vivir en un mundo de apariencias y engaños, es más complicado todavía.

Kamikaze Producciones vuelve a sorprender con la puesta en escena de una versión libre del Misántropo de Molière. Este misántropo vive en el tiempo actual, un tiempo de hipocresía, de caras buena por delante y puñaladas por detrás. Un tiempo en el que una fiesta cualquiera puede convertirse en el más cruel de los recuerdos de que la vida en compañía necesita de mentiras para poder ser soportada.

Kamikaze Producciones se caracterizan por el riesgo, la valentía y la involucración de todos sus miembros en la producción, algo que se nota en puestas en escena como la de Misántropo, que pasa de la risa al drama casi trágico en cuestión de minutos para dejar a los espectadores casi en shock al terminar la obra. Si al terminar la obra sentís que os tiemblan las piernas y que no tenéis palabras, es normal: a otros ya nos ha pasado antes.

La parte trasera de una fiesta pone al descubierto las miserias de unos protagonistas que basan su vida en las falsas apariencias. Una puesta en escena poderosa da pie al brillo de los actores, esas sombras de seres humanos con los que Alcestes se niega a convivir. Bofetadas de realidad en un callejón maloliente y sin salida.

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Enredos en la noche toledana

La Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico pone en escena la divertida comedia de enredos La noche toledana. Una posada, varios huéspedes, muchas puertas que se abren y se cierran, personajes en busca del amor y el buen hacer de Lope de Vega y tenemos una obra muy entretenida, que consigue arrancar las carcajadas del público y que da mucho juego a unos actores entregados a la causa.

La puesta en escena es ágil, con cambios de decorado rápidos gracias a unas cajas a modo de puertas o paredes. La música acompaña los cambios de escena y mantiene al espectador en la dinámica de la obra. El elenco actoral, todo él joven, con vigor y energía, mantiene con pulso el ritmo de los lances escénicos. ¿Y el argumento? Imposible resumirlo. Digamos solo que la noche toledana da para muchos enredos, equívocos y momentos divertidos. El amor (y los celos) es el verdadero protagonista de esta obra llena de confusiones que terminan como es de esperar.

Divertida y muy recomendable si se quiere disfrutar del buen teatro de siempre adaptado al público y a los actores de hoy y de mañana. Como muchas de las obras que se están viendo estos días en los Clásicos en Alcalá, pasará por el festival de Almagro. Si pueden, no duden en ir a verla.

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El rey Lear hoy

Trasladar un texto clásico a nuestros días siempre es compliado. Y más si se pretende hacer referencias a la actualidad. La versión que la Compañía Teatral Culturarts Generalitat lleva a cabo de Rey Lear queda coja. Hay algo que patina. Quizá sea la referencia inicial a 2013 («el fin de la democracia», ponen en una pantalla gigante que sirve durante toda la representación a modo de decorado cambiante que nos traslada a diferentes entornos). O las canciones de época reciente (con voz y parte de instrumentación en directo). O el vestuario moderno. O un casette en escena cuando supuestamente estamos en 2013.

Para ser una tragedia, una de las grandes obras de Shakespeare, el público no llega a conmoverse como en otras ocasiones. Solo Lear provoca alguna reacción de compasión y lástima, ese loco cuerdo al que las hijas que pensaba que más le querían le terminan repudiando y traicionando. Mientras se van sucediendo las escenas con la sola interrupción de la música en directo, que ayuda a hacer más terrible y repugnante una escena de tortura o indica que se acercan los franceses, los actores muchas veces quedan en el escenario sin que su personaje entre en acción durante un buen tiempo.

El Rey Lear que se ha visto en el Teatro Salón Cervantes en el Festival de Clásicos de Alcalá es una versión que quiere apuntar a las entrañas del espectador pero que en algunos momentos peca de ambiciosa.

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Que el duende era una dama

En la misma época en la que Calderón de la Barca escribía La vida es sueño, su imaginación también dio origen a La dama duende, una comedia de capa y espada del más puro sabor castellano, una de esas obras tan del gusto de la época, con enredos, momentos para la risa, para la reivindicación del honor y con final feliz en el que, milagrosamente, todo queda resuelto en un momento y todos contentos.

La versión que presenta Producciones Faraute y que ha estrenado en el Teatro Salón Cervantes dentro del Festival de Clásicos de Alcalá cuenta con algunas caras conocidas para el público televisivo (como Marcial Álvarez o Diana Palazón) y la dirección del veterano Miguel Narros, recientemente galardonado con el premio Fuente de Castalia. Casi dos horas y media de representación se terminan haciendo algo largas especialmente en el tramo central. Sin embargo, llama la atención cómo un texto que se escribió en el siglo XVII (convenientemente adaptado) todavía puede arrancar las carcajadas del público.

Destacan la buena interpretación de los actores y la puesta en escena realista, en la que se juegan con diferentes escenarios gracias a un sencillo cambio de la decoración de la habitación en la que se encuentran los personajes. La dama duende nos recuerda un tema recurrente en Calderón como el libre albedrío, aquel que sus hermanos niegan a Ángela por el encierro al que le obligan tras haber quedado viuda. La joven consigue entrar en la habitación del invitado que se aloja en su casa, pero se hará pasar por un duende para no ser descubierta.

A pesar de que le sobran minutos, recomendable para los aficionados al teatro clásico español.

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Más Clásicos en Alcalá

No sé la razón de la sinrazón que a mi razón aqueja (Lope de Vega)

Del 12 al 30 de junio, Alcalá vuelve a llenarse de clásicos. Esa literatura que nunca muere, que sabes que siempre está ahí y que nunca te va a defraudar. Las obras de Shakespeare, Lope de Vega, Calderón de la Barca… vuelven a cobrar vida. El recorte en el presupuesto se nota en la menor cantidad de espacios destinados a las representaciones, pero se mantiene la cantidad de obras en el Teatro Salón Cervantes, el Corral de Comedias y las representaciones en el patio de la sede del Instituto Cervantes.

Es difícil destacar obras entre las que vienen este año sin haberlas visto. Pero me parece un programa bastante variado, con protagonismo de Shakespeare, varias piezas de Lope, de Calderón, y menos Cervantes que otras veces. De nuevo, varias de las obras serán estrenos absolutos, en otras ocasiones será la primera vez que se vea en la Comunidad de Madrid, y muchas de ellas irán después al festival de Almagro y allí recibirán mucha más atención que aquí. Es curioso cómo un festival que podría estar a la altura del de Almagro no tiene casi repercusión fuera de Alcalá. Nunca lo entenderé.

Yo ya he hecho mi selección. Espero no faltar a La dama duende, El rey Lear, A secreto agravio, secreta venganza, La noche toledana, De amor y lujuria, El caballero de Olmedo y Las amistades peligrosas (y tengo varias más dudosas). Y eso después de eliminar muchas otras que también me apetecían. Me tiran los clásicos, no hay remedio. Daremos cuenta en este blog de todo lo que vaya dando de sí este año el festival.

Para más información, la web de los Clásicos en Alcalá, su página de Facebook y su cuenta de Twitter.

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Oculta venganza para oculto agravio

Foto: Jesús Peña

Los dramas calderonianos es lo que tienen: te indignan. El médico de su honra es una de esas obras en las que la sensación de impotencia te consume por dentro mientras ves cómo la acción se desencadena dentro de unos moldes morales que en sociedades modernas no tienen sentido. El sentido castellano del honor y de la honra llevados a su máxima expresión sobre la escena del Teatro Salón Cervantes en esta edición de los Clásicos en Alcalá.

Foto: Jesús Peña

Teatro Corsario, que ya pasó por el festival de Clásicos hace un par de años con El caballero de Olmedo, trae una puesta en escena al más puro estilo clásico, lo que se espera de una obra clásica. Actores solventes dan vida a unos personajes que juegan peligrosamente con los celos y con el honor propio y de los demás. Porque tan malo es haber pecado como parecer que se ha hecho, y porque para limpiar la honra, hay que reconocer que se ha sufrido una mancha en ella. En nuestros tiempos, estas cosas ya no se entienden, por suerte. Por eso, las estructuras morales y sociales sobre las que se construye el teatro clásico hoy nos suenan tan forzadas, e incluso improbables. Pero hubo un tiempo en que el solo presentimiento de que se había perdido el honor era suficiente para matar a alguien.

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Vuelven los Clásicos

«Clásicos en Alcalá. Me gustan».

Aunque el eslogan de este año no me gusta nada (veo las referencias a Facebook, pero los clásicos son clásicos…), y los versos que han elegido para este año no me dicen mucho («Use siempre hacer muchos actos de amor, porque encienden y enternecen el alma», de Teresa de Ávila), da lo mismo, porque lo importante es la esencia del Festival de Clásicos alcalaíno, y ese sigue ahí.

El festival complutense puede que no sea tan famoso como el de Almagro, pero en calidad de las obras va bastante parejo. De hecho, muchas de las obras que despuúes se ven en el famoso y mediático Festival de Almagro pasan antes por Alcalá, incluso se estrenan aquí, antes y más baratas. Año tras año me surge la misma duda: ¿Por qué no se conoce más el Festival de Clásicos de Alcalá? ¿Qué hacemos mal para que todavía haya gente que no sepa que en Alcalá hay un corral de comedias, con una historia tan rica o más que el de Almagro?

El caso es que los Clásicos han vuelto a Alcalá. Hasta el 1 de julio las tablas nuevas conviven con las obras antiguas. Clásicos para todos los gustos. No faltarán Shakespeare, Calderón, Cervantes o Lope de Vega, pero tampoco las adaptaciones modernas ni las obras para los más pequeños.

Porque si algo tienen los Clásicos es que nunca mueren.

A disfrutar.

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Teatro y efectos digitales para que los árboles nos dejen ver el bosque

Fantástica la puesta en escena que Ur Teatro, y bajo la dirección de Helena Pimenta, hace de Macbeth. Vaya por delante que el texto  facilita mucho las cosas: adaptable a cualquier tiempo, con unos personajes protagonistas que cualquier actor mataría por representar… Una profundización como pocas en el terreno de la ambición, en el instinto animal que todo humano lleva dentro. Sin entrar más en la historia de Shakespeare, basta con recordar que Macbeth es aquel que solo morirá cuando el bosque venga a por él y al que ningún hombre nacido de mujer le podrá matar. Así, normal que se crezca.

Y así ocurre en esta representación con José Tomé, el actor que da vida a Macbeth. Con momentos en los que roza la sobreactuación, se le perdonan por la intensidad que da al personaje y a todo lo que siente durante las casi dos horas de obra. Destaca también, por supuesto, Lady Macbeth, la verdadera culpable de que se desate la tragedia.

Pero la originalidad de esta puesta en escena no está en las actuaciones brillantes, que también, sino especialmente en el aspecto visual, en el escenario al completo, en el manejo de las proyecciones digitales para hacer intervenir a muchos más personajes, para contar y acompañar lo que ocurre sobre las tablas. Además de un coro en directo que interpreta fragmentos de la ópera de Verdi dedicada a Macbeth. Un juego de mentiras y verdades, de realidad y ficción, en el que el espectador termina entrando de lleno y contagiándose de esa intensidad con la que se vive todo en escena.

Una de las mejores obras que he visto en los Clásicos en Alcalá. Si tenéis oportunidad de verla, hacedlo. Yo repetiría. Toda una experiencia. Teatro, proyecciones, ópera, actuaciones… y Macbeth. ¿Qué más se puede pedir?

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El castigo sin venganza: clásico al estilo clásico

La puesta en escena de El castigo sin venganza que corre a cargo de la compañía Rakatá y que se ha podido ver en los Clásicos en Alcalá mantiene el sabor clásico de la obra de Lope de Vega, ese que ha convertido a este texto en una de sus obras cumbre, sin buenos ni malos, pero con el concepto de honra y honor tan típico de la época.

En la versión que pudimos ver sobre las tablas del Teatro Salón Cervantes nos encontramos con unos personajes representados con dignidad y buenhacer y una puesta en escena sencilla pero clara, con un buen dominio de la iluminación y del espacio escénico jugando con la profundidad valiéndose de una fina cortina en varias escenas.

Lástima que el TSC solo se llenara hasta la mitad en un jueves festivo, lástima por los que no pudieron o quisieron disfrutar de un clásico de los de verdad, bien llevado a escena y bien representado.

(Foto: Rubén Gámez)

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La Celestina: una obra que no fue concebida para representarse

En el Festival de Clásicos en Alcalá de este año hemos podido presenciar el estreno absoluto de la versión de La Celestina que ha llevado a la escena el director Mariano de Paco Serrano sobre una versión de Eduardo Galán del libro de Fernando de Rojas. La Celestina es un texto más que estudiado, pero pocas veces visto sobre las tablas: a pesar de ser una obra de teatro, hay serias dudas sobre si su escritor la concibió para ser representada. Se ha debatido si realmente es teatro o es novela dialogada. Podría decirse que es una obra de teatro pensada para ser leída, no representada. Largos y difíciles monólogos y una extensión desmesurada para ser una obra de teatro hacen que las dificultades para llevar a la escena sean evidentes.

Por eso me interesaba especialmente esta representación, por el reto que supone llevar a las tablas una obra de este tipo. La adaptación hace llevable el argumento, prescindiendo de la mayoría de los monólogos, o acortándolos mucho, resumiendo algunas de las partes de la obra y con un lenguaje algo adaptado a nuestro tiempo. Pero, precisamente por eso, lo que vemos en escena no es del todo La Celestina.

Gemma Cuervo trata de trasladar al personaje parte de su personalidad, moviéndose entre el histrionismo, el mundo mágico en que vive Celestina y el terrenal y carnal de su oficio real. Pero ciertos problemas de acústica deslucieron su actuación con fragmentos en los que, salvo en las primeras filas, era muy complicado escucharla. De Sempronio hizo un impecable Juan Calot, y también destacaron Pármeno, Elicia y Areúsa. El resto, más que discretos. Aunque, para mi gusto, Calisto y Melibea son dos de los personajes más pusilánimes y más sin gracia de toda la literatura español; igual es manía personal.

Una escenografía original y eficiente servía para representar la casa de Calisto, la de Celestina o la de Melibea solo con un movimiento de uno de los bloques que formaban el decorado y que permitía tener una terraza, escaleras y ventanas. La música apropiada, con disonancias constantes, también aportaba dramatismo a la puesta en escena.

Algunas escenas no están bien resueltas del todo: el momento previo a la muerte de Calisto parecía más cómico que otra cosa, cuando en realidad estamos en pleno clímax de la obra.

Mi conclusión, después de haber leído en repetidas ocasiones y haber estudiado bastante en profundidad la obra, es que me quedo con su lectura sobre papel que con su puesta en escena; al menos, no con esta puesta en escena. Eso sí, hay que reconocer que partía con muchos handicaps, algunos de los cuales son insuperables.

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